Charlotte Sapene

Kavanayen, el árbol de caucho. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen, época de viento. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen, Araguaney caído. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen noche y estrella, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Chichirivichi en mi choruata, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen y yo, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Cayo Borracho con cocada, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Cayo Pelón con palmera, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Nosotros vivimos bajo e` la matica, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Salto Ángel in a dream, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen nadando con los peces, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen en la cueva, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen selva mágica, 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen, el árbol. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen, la ventana. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

Kavanayen, el árbolito. 2025

Water color and oil on paper 9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Portal, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

“The Stranded Whales” 2025

The tide left, but they stayed. The moon watches quietly. Stars flicker, the sand is still. The waves keep calling, but no one answers.

Oil on paper

9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Fire, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Seeker, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Naturalist, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Tourist, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Traveler, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

The Observer, 2025

Oil on paper
9 x 12 in 22.9 x 30.5 cm

¿quien soy? 1

¿quien soy? 1 es un autorretrato que refleja la búsqueda de un espacio propio en medio de la transitoriedad de la migración. Este cuadro combina objetos cotidianos, algunos característicos de Venezuela, con un entorno idealizado en colores pastel que suaviza la dura realidad del desplazamiento. La obra invita a explorar la dualidad entre la nostalgia y la creación de nuevos espacios de pertenencia, ofreciendo una perspectiva lúdica sobre un tema profundo.

¿quien soy? 2

¿quien soy? 3

¿quien soy? 4

¿quien soy? 5

¿quien soy? 6

¿quien soy? 7

Horizons: Virginia y Maritza, intermedio del paseo dominical

Bajo un cielo que parecía respirar con la calma del domingo, Virginia se sentó en el banco, mientras el viento susurraba entre las hojas y una pausa transformaba el paseo en un ritual sagrado. La pequeña Maritza, desde su cochecito, miraba con ojos de universo, esperando el momento en que el tetero llenaría su sed, como si fuera un cántaro de historias pasadas. Cada trazo en este cuadro es un eco de la conexión que trasciende las palabras, un instante donde el tiempo mismo decidió detenerse para observar la complicidad entre una madre y su hija de cuatro patas.

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Horizons: Virginia and Maritza, mid-Sunday walk

Under a sky that seemed to breathe with the calm of Sunday, Virginia sat on the bench, as the wind whispered through the leaves, and a pause transformed the walk into a sacred ritual. Little Maritza, from her stroller, gazed with eyes full of universes, waiting for the moment when the bottle would quench her thirst, like a vessel of stories past. Every stroke in this painting echoes a bond that transcends words, a moment where time itself paused to witness the connection between a mother and her four-legged daughter.

Horizons: Lazos Invisibles

Es un reflejo de dos almas conectadas por un destino que eligieron compartir antes de llegar a este plano físico. En la calma de la escena se percibe la complicidad, una danza silenciosa entre dos seres que se reconocen más allá de las formas físicas. Es un recordatorio de los lazos invisibles que trascienden el tiempo y el espacio, y de cómo el amor y la lealtad son pactos que trascienden lo humano.

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Horizons: Invisible Bonds

This painting is a reflection of two souls connected by a destiny they chose to share before arriving on this physical plane. In the calm of the scene, there is a sense of complicity, a silent dance between two beings who recognize each other beyond physical forms. It is a reminder of the invisible bonds that transcend time and space and how love and loyalty are pacts that surpass the human experience.

Horizons: Mariu y Zari en Corral de Piedra, Amanalco

Es un cuadro que captura un instante eterno, como si la naturaleza misma las hubiese envuelto para protegerlas de los años. En el corazón de un paisaje que respira vida, una niña y su madre están entrelazadas por un vínculo invisible, como raíces bajo la tierra que conectan generaciones. Este cuadro no solo narra un viaje a la naturaleza, sino que me guía en una travesía personal hacia la maternidad: un mapa emocional trazado a través de los lazos familiares. En esta escena, la feminidad se despliega como un río constante, encontrando nuevas formas de manifestarse. Aquí, el tiempo y los colores dialogan sobre lo que significa ser familia, sobre lo que significa pertenecer.

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Horizons: Mariu and Zari in Corral de Piedra, Amanalco

This painting captures an eternal moment, as if nature itself had embraced them to shield them from the passage of time. In the heart of a landscape that breathes life, a little girl and her mother are intertwined by an invisible bond, like roots beneath the earth that connect generations. This painting not only tells the story of a journey into nature but also guides me on a personal exploration of motherhood: an emotional map drawn through family ties. In this scene, femininity flows like a constant river, finding new ways to manifest. Here, time and colors converse about what it means to be family, about what it means to belong.

Horizons: Mariu y Zari en Miami

En aquel verano que se extendía como un suspiro interminable, Mariu sostenía a Sari con la delicadeza de quien guarda un tesoro recién descubierto. Miami las envolvía en su luz abrasadora, mientras los colores del mural en Wynwood parecían narrar una historia que solo ellas podían descifrar. Este cuadro, un portal de memoria y emoción, explora la maternidad como un lazo irrompible y la familia como el refugio donde las vidas se entrelazan.

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Horizons: Mariu and Zari in Miami

In that summer that stretched like an endless sigh, Mariu held Sari with the tenderness of someone guarding a newly discovered treasure. Miami enveloped them in its blazing light, while the colors of the Wynwood mural seemed to narrate a story only they could decipher. This painting, a portal of memory and emotion, explores motherhood as an unbreakable bond and family as the haven where lives intertwine.

Horizons: Connected Souls

Una maternidad que trasciende las ideas convencionales. Este cuadro explora el vínculo profundo entre almas que se encuentran en este plano para ofrecernos algo más grande que las palabras: la experiencia del amor incondicional. Para quienes no tuvimos hijos, nuestros perros se convierten en compañeros, maestros y oportunidades para vivir una maternidad distinta, sagrada, que redefine el significado de cuidar y ser cuidado. Los colores y las formas reflejan esta conexión, donde el amor maternal fluye sin restricciones, más allá de lo convencional.

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Horizons: Connected Souls

A motherhood that transcends conventional ideas. This painting delves into the profound bond between souls that meet in this physical plane to offer us something greater than words: the experience of unconditional love. For those of us who didn’t have children, our dogs become companions, teachers, and opportunities to live a sacred, distinct form of motherhood that redefines what it means to nurture and be nurtured. The colors and forms reflect this connection, where maternal love flows freely, beyond convention.

Horizons: Maternidad sin límites

Explorar horizontes significa redescubrir el amor en las pequeñas cosas, como en la mirada de un compañero de vida tan leal como Charlie. Esta pieza reflexiona sobre lo que implica nutrir, proteger y recibir ese amor puro que solo una mascota puede ofrecer.

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Horizons: Motherhood Unleashed

Exploring horizons means rediscovering love in the little things, like the gaze of a loyal life companion like Charlie. This piece reflects on what it means to nurture, protect, and receive that pure love only a pet can give.

Horizons: Refugio Compartido

Cuando empezó a llover, le di mi camisa a Charlie para protegerlo. Ese gesto simple me conecta con lo que significa amar: cuidar, dar, ser refugio.

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Horizons: Shared Shelter

When it started to rain, I gave Charlie my shirt to protect him. That simple gesture connects me to what it means to love: to care, to give, to be a shelter.

Horizons: Dinner Time en Nicaragua

Nuestro salón en Nicaragua se llena de amor en cada desayuno y cena con Charlie. Porque cuidar de sus pequeñas necesidades, como su comidita, también es una forma de decirle cuánto lo amamos.

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Horizons: Dinner Time in Nicaragua

Our living room in Nicaragua is filled with love every breakfast and dinner with Charlie. Taking care of his little needs, like his meals, is just another way to show how much we love him.

Horizons: Estudio con Vista

En mi espacio de creación, donde el mar y las montañas se convierten en parte del lienzo. Este cuadro es una exploración de los lazos invisibles entre el entorno y lo íntimo, una ventana hacia la conexión con lo que me rodea y conmigo misma.

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Horizons: Studio with a View

In my creative space, where the sea and mountains become part of the canvas. This painting explores the invisible ties between the environment and the intimate, a window into the connection with my surroundings and myself.

Horizons: Arena en mis pies

Un paseo por la playa, un respiro para el alma. Aquí, entre el mar y la naturaleza, encuentro calma y conexión. Este cuadro explora la conexión entre lo interno y lo externo, y cómo la naturaleza puede ser un puente hacia nuestra alma.

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Horizons: Sand Beneath My Feet

A walk by the beach, a breath for the soul. Here, between the sea and nature, I find calm and connection. This painting, Horizons: Sand Beneath My Feet, explores the connection between the internal and the external, and how nature can be a bridge to our soul.

Horizons: 3 cuartos en 1

Caracas, México y Nicaragua, tres lugares que llevo en mí. Este cuadro refleja mi búsqueda de pertenecer y el descubrimiento de que el hogar no es un lugar físico, sino algo que siempre ha estado dentro de mí. Mis orígenes y viajes se encuentran aquí, en este espacio que soy yo.

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Horizons: 3 rooms in 1

Caracas, Mexico, and Nicaragua—three places I carry within me. This painting reflects my search for belonging and the realization that home is not a physical place, but something that has always been within me. My origins and journeys meet here, in this space that is me.

Horizons: Virginia, Maritza y Charlie, paseo dominical.

Dicen que algunas almas eligen encarnar en cuerpos pequeños y peludos, sabiendo que no seremos madres de hijos, pero sí de ellas. Vienen a enseñarnos el amor materno con miradas que parecen humanas y pasos que nos guían por caminos invisibles. Este cuadro es un testimonio de cómo la maternidad puede brotar en cualquier forma: en un domingo cualquiera, en la ciudad, mientras una mujer empuja un coche, un perro explora el mundo y el tiempo parece detenerse. No importa la forma que tomen, ellas nos recuerdan que el amor más profundo siempre encuentra su camino.

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Horizons: Virginia, Maritza, and Charlie, Sunday Stroll.

They say some souls choose to take the form of small, furry bodies, knowing we won’t become mothers to children, but to them. They come to teach us maternal love with gazes that feel human and steps that guide us along invisible paths. This painting is a testament to how motherhood can bloom in any form: on an ordinary Sunday, in the city, while a woman pushes a stroller, a dog explores the world, and time seems to stop. No matter the form they take, they remind us that the deepest love always finds its way.

te voy a encontrar 1

27 × 36 in 68 × 92 cm

te voy a encontrar 2

27 × 36 in 68 × 92 cm

te voy a encontrar 3

27 × 36 in 68 × 92 cm

te voy a encontrar 4

21 × 25 in 53 × 63 cm

te voy a encontrar 5

te voy a encontrar 6

te voy a encontrar 7

te voy a encontrar 8

te voy a encontrar 9

te voy a encontrar 10

te voy a encontrar 11

te voy a encontrar 12

“Daydreaming”

Un momento de calma en el que la realidad se desvanece y los pensamientos fluyen libremente. Esta pieza forma parte de mi nueva serie, Fortunes, donde cada retrato es como cruzar un umbral hacia el autodescubrimiento. Aquí, la línea entre el mundo interior y exterior se difumina, revelando fragmentos de quién soy y hacia dónde voy.

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“Daydreaming”

A quiet moment where reality fades, and thoughts drift freely. This piece is part of my new series, Fortunes, where each portrait feels like stepping into a threshold of self-discovery. Here, the line between inner and outer worlds blurs, revealing fragments of where I am and where I’m headed.

“Brisa Interior”

En este autorretrato, parte de la serie Fortunes, exploro el equilibrio entre lo suave y lo geométrico como una forma de entender mi propio lenguaje pictórico. La interacción entre las curvas orgánicas y los planos marcados en el rostro me permite buscar una tridimensionalidad que no solo captura la forma, sino también la emoción.

El fondo y la figura dialogan en contraste: los tonos cálidos del rostro reflejan mi conexión con la naturaleza circundante, mientras los azules y verdes del paisaje aportan frescura y apertura. Este cuadro funciona como un portal hacia mi proceso interno, un espacio donde combino técnicas clásicas con elementos modernos, para construir una voz visual que sigue evolucionando con cada obra.

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“Brisa Interior”

In this self-portrait, part of the Fortunes series, I explore the balance between softness and geometry as a way to understand my own pictorial language. The interaction between organic curves and defined planes in the face allows me to search for a three-dimensionality that captures not only form but also emotion.

The background and figure engage in contrast: the warm tones of the face reflect my connection to the surrounding nature, while the blues and greens in the landscape bring freshness and openness. This painting acts as a portal into my inner process, a space where I blend classical techniques with modern elements to build a visual voice that continues to evolve with each work.

Lluvia Interior forma parte de mi serie Fortunes. Este autorretrato conecta el entorno con mi paisaje emocional. Cada cuadro de esta serie es un portal, un paso más en el camino hacia mi voz artística. Los chorreados de aceite evocan la humedad y la lluvia constante de mi entorno, mientras sostengo una flor de jasmine falcón 🌼, un símbolo íntimo que me recuerda a mi papá. Este cuadro es un equilibrio entre lo externo y lo interno, la vulnerabilidad y la aceptación. 🌧️🌿

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Lluvia Interior is part of my Fortunes series. This self-portrait connects the environment with my emotional landscape. Each painting in this series is a portal, a step further on the path to my artistic voice. The oil drips evoke the humidity and constant rain of my surroundings, while I hold a jasmine falcón flower 🌼, an intimate symbol that reminds me of my father. This painting balances the external and the internal, vulnerability and acceptance. 🌧️🌿

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#LluviaInterior #FortunesSeries #CharlotteSapene #NatureInspired

Este cuadro es para ti, mamá. A través de ‘Love: Jenny’ te pinto en esos años en los que estabas llena de vida, cuando tenías alrededor de 35, un tiempo que atesoro entre mis pocos recuerdos de ti. Aunque te fuiste demasiado pronto, pintar este retrato es mi manera de conectarme contigo, enviarte amor y luz, y ayudarte a trascender, para que tu alma logre alcanzar el plano astral y no se quede atrapada en ese espacio intermedio. Este proceso me sana, me permite perdonarte, perdonarme, y recordarte que siempre te querré. Espero que este gesto resuene contigo en cualquier dimensión en la que te encuentres.

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This painting is for you, mom. Through ‘Love: Jenny,’ I paint you in those years when you were full of life, around 35, a time I hold dear among the few memories I have of you. Even though you left too soon, painting this portrait is my way of connecting with you, sending you love and light, and helping your soul transcend so that it reaches the astral plane and isn’t trapped in that in-between space. This process heals me, allowing me to forgive you, forgive myself, and remind you that I will always love you. I hope this gesture reaches you wherever you are.

Love: José Miguel

Conocerte fue un regalo, aunque breve, lleno de gestos que siempre llevaré en mi corazón. José Miguel, papá de mi esposo Cristóbal, fue alguien que me hizo sentir valorada y me enseñó a ver la belleza en todo, incluso en los detalles que otros pasaban por alto. Fue amable y sensible, no solo conmigo, sino también con mis perritas, La Chili y Niña Bonita, a quien adopté de un santuario. Esa conexión especial que tuvimos sigue viva en este retrato, que para mí refleja su alma generosa y cálida. Gracias, José Miguel, por esos momentos que tanto significaron para mí.

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Love: José Miguel

Meeting you was a gift, brief yet filled with gestures I’ll forever carry in my heart. José Miguel, my husband Cristóbal’s father, made me feel valued and taught me to see beauty in everything, even the details others overlooked. He was kind and sensitive, not only with me but also with my dogs, La Chili and Niña Bonita, whom I adopted from a sanctuary. This special connection lives on in this portrait, reflecting his warm and generous soul. Thank you, José Miguel, for those moments that meant so much to me.

Love: Dorila

Esta pintura está dedicada a Dorila, la mamá de mi esposo y un alma que tuve la dicha de conocer por un breve pero significativo tiempo. En ese año y medio, me brindó un amor inmenso, envuelto en su rigurosidad, y me trató como a una hija, llenando un vacío profundo que llevo desde que mi mamá murió cuando yo tenía 12 años. Siempre he buscado a esa figura materna que sentí perdida, y en Dorila la encontré. Aunque ella ya no está, y no tuve la oportunidad de despedirme estando en México mientras ella estaba en Caracas, siento que este cuadro me permitió reencontrarme con su alma. Cada vez que lo veo, es como si su espíritu me tocara. Gracias, Dorila, por tu amor, por enseñarme tanto, y por ser esa madre que tanto anhelé.

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Love: Dorila

This painting is dedicated to Dorila, my husband’s mom, a soul I had the privilege of knowing for a brief yet meaningful time. During that year and a half, she gave me immense love, wrapped in her rigor, and treated me like a daughter, filling a deep void that I have carried since my mother passed away when I was 12. I have always sought that motherly figure I felt I had lost, and in Dorila, I found her. Though she is no longer with us, and I couldn’t say goodbye as I was in Mexico while she was in Caracas, I feel that through this painting, I managed to reconnect with her soul. Every time I look at it, it feels like her spirit touches me. Thank you, Dorila, for your love, for teaching me so much, and for being that mother I always longed for.

Love: Oscar Papá

Pintar este cuadro fue un viaje emocional profundo. Mi papá, a quien extraño con todo mi corazón, nunca solía sonreír tanto, pero en esta imagen lo capturé lleno de alegría, con una mirada llena de esperanza. Esa sonrisa me hace sentir como si lo viera otra vez, como siempre quise recordarlo: lleno de vida.

Cada vez que lo observo, siento cuánto lo extraño, lo quiero, y lo valoro. Este cuadro es un tributo a su memoria, y creo que, desde el cielo, él está sonriendo al verlo, tal vez incluso sintiéndose orgulloso del avance que he logrado en mi arte. Sé que me ayudó a pintarlo.

Te extraño, papá, siempre.

Love: Oscar Dad

Painting this piece was an emotional journey. My dad, whom I miss with all my heart, never used to smile so much, but in this image, I captured him full of joy, with a gaze full of hope. That smile makes me feel like I’m seeing him again, just as I always wanted to remember him: full of life.

Every time I look at it, I feel how much I miss him, love him, and cherish him. This painting is a tribute to his memory, and I believe that from heaven, he’s smiling as he sees it, maybe even feeling proud of the progress I’ve made in my art. I know he helped me paint it.

I miss you, Dad, always.

Les presento ‘LOVE: Juanchi’, un retrato que significa mucho para mí. Juanchi, o Juan Vicente, es ese amigo que se convierte en familia. Lo conocí cuando vivía en Caracas y desde entonces ha estado ahí para mí y mis hermanas, siempre apoyándonos en todo. Es el tío más increíble para mi sobrina Sara y la persona en la que siempre hemos podido confiar. Este retrato es mi manera de decirle ‘te quiero’ y agradecerle todo lo que ha hecho por nosotros. Gracias por ser el mejor amigo y tío del mundo, Juanchi.

Introducing ‘LOVE: Juanchi’, a portrait that means a lot to me. Juanchi, or Juan Vicente, is that friend who becomes family. I met him when I lived in Caracas, and since then, he’s been there for my sisters and me, always supporting us through everything. He’s the most incredible uncle to my niece Sara and someone we’ve always been able to count on. This portrait is my way of saying ‘I love you’ and appreciating all he’s done for us. Thank you for being the best friend and uncle, Juanchi.

LOVE: VIRGINIA

LOVE SERIES explora la intimidad emocional a través del retrato, capturando esos lazos invisibles que nos conectan con quienes forman parte de nuestra historia. Cada pincelada es un reflejo de las memorias, las conversaciones y las miradas que no necesitan palabras. Este retrato de mi hermana Virginia es una celebración de esa conexión única, llena de complicidad y amor en su forma más pura, sin caer en las idealizaciones. Aquí, el amor es cotidiano, imperfecto y profundamente humano.

Love 1

Love 2

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Love 4

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Love 14

it's ok: Revela-T. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

“It’s OK: Revela-T” es una obra de la serie ‘It’s OK’ que añade humor a la conversación sobre temas tabú. Con colores vibrantes y un estilo expresivo, invita a los espectadores a romper las restricciones sociales y mostrar su verdadero yo. El título, un juego de palabras, no solo alienta a la autoaceptación y expresión sincera, sino que también aborda con ligereza las discusiones sobre sexualidad y el cuerpo humano. Este enfoque desenfadado fomenta un diálogo abierto y sin prejuicios, transformando la confrontación de tabúes en una celebración de la identidad personal, promoviendo la aceptación y el humor.

it's ok: Sin Tabúes. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

“It’s OK: Sin Tabúes” se sumerge en la esencia de la liberación personal a través de la aceptación del cuerpo femenino sin reservas. Esta obra, perteneciente a la serie ‘It’s OK’, destaca por su representación franca y sin censuras de la vagina, tratada aquí no solo como un elemento anatómico, sino como un símbolo de empoderamiento y reivindicación de la identidad. La paleta de colores suaves contrasta con la franqueza del tema, invitando al espectador a una reflexión sobre la naturalidad del cuerpo humano y la importancia de despojarse de los tabúes sociales y personales que rodean la sexualidad femenina.

it's ok: Des-Tabú. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

Esta pieza, que pertenece a la serie It’s OK, Des-Tabú, desafía las barreras de lo que nos enseñaron a callar. Aquí, la vulnerabilidad y la liberación se encuentran en un espacio donde lo que era tabú ya no lo es más. Es mi manera de decir que está bien sentir, está bien hablar, está bien ser.

¿Qué tabú estás listo para dejar atrás?

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This piece, part of the It’s OK series, Des-Tabú, challenges the barriers of what we were taught to stay silent about. Here, vulnerability and liberation meet in a space where what was once taboo is no more. It’s my way of saying it’s okay to feel, it’s okay to speak, it’s okay to be.

Which taboo are you ready to leave behind?

it's ok: Vulvalución. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

It’s OK: Vulvalución es una celebración de la transformación y el poder inherente en la feminidad. A través de trazos fluidos y texturas vibrantes, esta pieza captura la evolución de la vulva como símbolo de fortaleza y vulnerabilidad, rompiendo con las narrativas de vergüenza o tabú que históricamente han acompañado al cuerpo femenino. Con colores que evocan vida y movimiento, la obra invita a reflexionar sobre la capacidad de renovación y aceptación que todos poseemos, poniendo el foco en la liberación y el empoderamiento.

it's ok: Sin Pudor. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

It’s OK, sin pudor es una obra que forma parte de una serie que explora la vulnerabilidad y la autoaceptación. Con una representación íntima y honesta del cuerpo, esta pieza desafía los límites impuestos por los tabúes y celebra la belleza en su forma más pura, sin adornos ni filtros.

Los trazos en óleo sobre un lienzo de textura rugosa capturan la esencia de lo que muchas veces se oculta, revelando con audacia lo que suele generar incomodidad. El uso del espacio en blanco resalta la libertad y el poder de mostrarse tal cual, sin pudor.

Esta obra invita al espectador a dejar de lado los prejuicios y a abrazar la naturalidad, no solo del cuerpo, sino también de las emociones que emergen de nuestra relación con él. It’s OK es un recordatorio de que no hay nada que esconder; al contrario, todo tiene un lugar en el diálogo sobre aceptación y autenticidad.

it's ok: Entrepiernas. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

Para la obra Entrepiernas, parte de la serie It’s OK, decidí explorar el espacio íntimo del cuerpo desde una perspectiva lúdica y liberadora. En este cuadro, utilizo la figura femenina como un vehículo para confrontar y desterrar los tabúes asociados con la representación de la sexualidad y el cuerpo desnudo. Al centrarme en las entrepiernas, busco transformar un área cargada de connotaciones históricas y culturales en un símbolo de autonomía, fuerza, y vulnerabilidad. La textura y los colores contrastantes en esta obra invitan al espectador a replantear su relación con el cuerpo propio y ajeno, celebrando la naturalidad de lo que normalmente se oculta o juzga. Entrepiernas es una invitación a la aceptación radical, a la exploración sin miedo de nuestra identidad física, más allá de las limitaciones impuestas por la sociedad.

it's ok: A flor de piel. oil on canvas. 20x25.5 cm 8x10 in

“It’s OK: A flor de piel” es una obra audaz de la serie ‘It’s OK’ que invita a una reflexión sobre la belleza intrínseca y la aceptación del cuerpo humano en su estado más natural. Esta pieza presenta una representación sin reservas de la anatomía femenina, celebrando la libertad y el rechazo a los tabúes que a menudo ocultan lo que es completamente natural. A través de colores vivos y trazos expresivos, la obra desafía la percepción convencional de la modestia y promueve un diálogo sobre la importancia de abrazar la identidad propia con orgullo y sin vergüenza. “A flor de piel” no solo captura emociones y sensaciones que residen en la superficie, sino que también revela las profundas capas de empoderamiento y autoaceptación que florecen al despojarse de las restricciones sociales.

It’s Okay on Paper: Mano y Sol
A veces la mano que bloquea el sol también sostiene una flor, y debajo, un rostro que podría ser el mío, observando en silencio. En esta composición libre, exploro la delicadeza de los gestos y las sombras, donde la abstracción permite jugar con la fragilidad y la fortaleza. Creyones de cera y papel se mezclan para dejar espacio a la interpretación y a los sentimientos que emergen. ¿Qué esconde tu mano hoy? 🎨🌸✋🏼
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It’s Okay on Paper: Hand and Sun
Sometimes the hand that blocks the sun also holds a flower, and beneath it, a face that could be mine, silently observing. In this free composition, I explore the delicacy of gestures and shadows, where abstraction plays with both fragility and strength. Wax crayons and paper come together, leaving room for interpretation and the emotions that arise. What does your hand hide today? 🎨🌸✋🏼

it's ok on paper 1

Una nueva serie donde exploro la figura femenina de manera más libre y relajada. Usando crellones de cera en mi sketchbook, combino formas abstractas y rostros femeninos mínimos con ojos, nariz y boca, creando una fusión entre lo orgánico y lo espontáneo. A veces, una mariposa se asoma, añadiendo un toque de movimiento y libertad. 🦋
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A new series where I explore the female figure in a more free and relaxed way. Using wax crayons in my sketchbook, I combine abstract shapes with minimal female faces—eyes, nose, and mouth—creating a fusion between the organic and the spontaneous. Sometimes a butterfly appears, adding a touch of movement and freedom.

It’s ok on paper 2

It’s ok on paper 3

It’s ok on paper 4

It’s ok on paper 5

Okay: Imperfectamente Sexy

Okay: Imperfectamente Sexy es un autorretrato que captura la dualidad entre introspección y expresión, destacando una figura adornada con lentes de color rosa intenso, simbolizando una visión del mundo teñida de optimismo y valentía. Esta obra mezcla técnicas figurativas con toques abstractos para explorar la identidad y la auto-percepción. Los trazos audaces y la paleta vibrante reflejan la complejidad emocional del sujeto, invitando al espectador a contemplar la importancia de la autoaceptación y la confianza en uno mismo. “Okay: Imperfectamente Sexy” no solo representa una afirmación de estar bien con las imperfecciones propias, sino que también desafía las normativas sociales sobre cómo se debe ver y sentir la feminidad, enfatizando un espíritu libre y seguro en su propia piel.

Mango, lechosa, mamón, Toddy. 2024.
92x93 cm
Oil paint, embroidery threat on canvas.

“Mango, Lechosa, Mamón, Toddy” es una obra vibrante de la serie ‘Where is Home’, que captura un momento íntimo entre dos hermanas inmersas en sus mundos en un entorno familiar reconfortante. Sentadas juntas en un sofá, una absorta en su celular y la otra sosteniendo un ramo de flores como una diosa de la naturaleza, la obra refleja un retrato sincero y sin adornos de la feminidad. Los elementos visuales en la pintura, desde los senos descubiertos de una hermana hasta los objetos esparcidos alrededor, son emblemas nostálgicos de la infancia en Venezuela—un pote de Toddy evocando tardes de merienda, frutas tropicales que recuerdan excursiones familiares, y un tapiz floral que rememora el jardín de su hogar. Cada detalle en esta composición no solo refuerza la conexión personal y cultural con su país de origen, sino que también dialoga sobre la identidad y el sentido de pertenencia en un contexto de migración. Esta obra es un testimonio visual de cómo los recuerdos y la cultura de un hogar pueden permanecer vivos a través del arte, sirviendo de puente entre el pasado y el presente de quienes se encuentran lejos de su tierra natal.

“Journey” Virginia Chevere, Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

Paisaje Interior: Caminos de Luz

En este cuadro, exploro cómo el color tiene el poder de transformar un camino cotidiano en una experiencia profundamente emocional. Los tonos vibrantes y contrastantes reflejan una conexión entre el mundo externo y el paisaje interno, evocando una sensación de movimiento y energía.

La serie Paisaje Interior busca representar esos momentos en los que lo ordinario se convierte en extraordinario a través de la sensibilidad artística, creando un diálogo entre lo que vemos y lo que sentimos.

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Inner Landscape: Paths of Light

In this piece, I explore how color has the power to transform an ordinary path into a deeply emotional experience. The vibrant and contrasting tones reflect a connection between the external world and the inner landscape, evoking a sense of movement and energy.

The Inner Landscape series aims to represent those moments when the ordinary becomes extraordinary through artistic sensitivity, creating a dialogue between what we see and what we feel.

Paisaje Interior: Sendero al Atardecer

Explorar paisajes no es solo mirar hacia afuera, sino también adentrarse en el alma. Este cuadro, “Sendero al Atardecer,” es parte de mi nueva serie Paisaje Interior, donde trabajo con manchas y texturas para capturar la conexión entre el entorno y lo que siento. La obra refleja la relación íntima entre la naturaleza y el mundo interior, buscando evocar emociones a través del color y la forma.

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Exploring landscapes is not just about looking outward but also inward into the soul. This painting, “Sendero al Atardecer,” is part of my new series Paisaje Interior, where I work with textures and stains to capture the connection between the environment and what I feel. The work reflects the intimate relationship between nature and the inner world, aiming to evoke emotions through color and form.

Paisaje Interior: Caminos de Nica

Este cuadro forma parte de mi serie Paisaje Interior y captura la esencia de un sendero detrás de la playa en Nicaragua, un lugar que he hecho mío durante las tardes que paso caminando junto a Charlie y Cristóbal. La vegetación vibrante, la textura de la tierra y los colores que emergen de este entorno me recuerdan a mi infancia y se han convertido en una fuente inagotable de inspiración.

Al trabajar en este paisaje, descubrí una nueva libertad en mi proceso creativo. Explorar manchas más sueltas y experimentar con el color me permitió conectar más profundamente con mi voz artística, dejando que la espontaneidad del entorno se reflejara en cada pincelada.

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Interior Landscape: Caminos de Nica

This painting is part of my Interior Landscape series and captures the essence of a trail behind the beach in Nicaragua, a place I have made my own during afternoons spent walking with Charlie and Cristóbal. The vibrant vegetation, the texture of the soil, and the colors that emerge from this environment remind me of my childhood and have become an endless source of inspiration.

Working on this landscape allowed me to discover a new sense of freedom in my creative process. Exploring looser brushstrokes and experimenting with color helped me connect more deeply with my artistic voice, letting the spontaneity of the surroundings shine through in every stroke.

En esta pintura quise capturar un momento simple de felicidad. Cristóbal y nuestro perro, Charli, están juntos. Se ven tan felices. Esta obra sigue la vibra de mi serie Journey y muestra cómo esos pequeños momentos son los que realmente le ponen color al viaje.

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In this painting, I wanted to capture a simple moment of happiness. Cristóbal and our dog, Charli, are together. They look so happy. This piece follows the vibe of my Journey series and shows how those little moments are what really bring color to the trip.

"Journey: Refugio Personal", Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

"Journey: Refugio Personal" retrata a una amiga en la intimidad de su hogar, compartiendo un momento sereno con su mascota. El cuadro integra elementos personales, como un libro de poemas escrito por ella, evocando la profundidad de su mundo interior. La presencia de su busto descubierto junto a la visibilidad de su caja torácica en el lienzo añade una dimensión de crudeza y vulnerabilidad, contrastando con la suavidad de los colores pastel que lo rodean. La obra está delicadamente unida por un hilo amarillo, simbolizando las conexiones profundas que mantenemos a pesar de las distancias y los desafíos de la migración.

"Journey: Vínculos Intactos", Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

"Journey: Vínculos Intactos" destaca la conexión íntima entre dos mujeres, una hermana y una amiga, evidenciando cómo los lazos afectivos se fortalecen ante los retos de la migración. Esta obra no solo capta un momento de complicidad y apoyo mutuo, sino que también integra objetos cotidianos que enmarcan su vida diaria. La representación de la hermana con el busto descubierto enfatiza un estado de vulnerabilidad y confianza, resaltando la naturalidad con la que se vive en espacios de seguridad y aceptación personal. Además, la obra es atravesada por un hilo rojo, símbolo de la conexión inquebrantable que persiste a pesar de la distancia, evocando un sentido profundo de pertenencia y continuidad.

"Journey: Cotidianidad Anclada", Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

"Journey: Cotidianidad Anclada" muestra un momento diario transformado en un acto de conexión íntima y afirmación personal. En la pintura, la hermana observa a su perra mientras su busto descubierto subraya un retorno a lo esencial y a la comodidad de ser uno mismo en espacios propios. Este detalle no solo resalta la naturalidad y la sinceridad del momento sino que también refuerza la importancia de los espacios seguros donde podemos ser auténticos, especialmente en el contexto de la migración y la pérdida. En el lateral de su pierna, una costura visible con hilo negro evoca los puntos de una herida, simbolizando las cicatrices emocionales y físicas que llevamos, y como éstas forman parte integral de nuestra historia y recuperación. A través de esta escena cotidiana, la obra invita a valorar los momentos y relaciones que nos anclan emocionalmente en tiempos de incertidumbre.

Journey: Acompañada, Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

Acompañada es una representación íntima de la vida cotidiana, donde los pequeños detalles y las interacciones sencillas se convierten en el centro del viaje personal. La escena muestra a la figura central en su cocina, rodeada de sus fieles compañeros, los perros que, con su presencia, llenan de calidez y compañía cada rincón. El ambiente doméstico, con colores vibrantes y elementos familiares, crea un contraste entre la rutina y el afecto que la rodea.

La obra, parte de la serie Journey, invita al espectador a reflexionar sobre la importancia de los momentos aparentemente insignificantes, aquellos que conforman el día a día y nos acompañan a lo largo de nuestra vida. En Acompañada, Charlotte Sapene captura la sensación de estar rodeada de amor y apoyo, incluso en los espacios más mundanos. Los colores intensos y las texturas del lienzo transmiten una sensación de movimiento y vida, haciendo que el espectador se sienta parte de esta escena familiar y cercana.

Journey: Inocencia en Contraste, Oil paint embroidery thread on canvas, 16x12 in

Inocencia en Contraste captura un momento de quietud infantil en un entorno vibrante y cargado de texturas. La figura de la niña, con su vestido de flores y su postura tranquila, contrasta de manera impactante con los colores saturados y patrones geométricos que la rodean. Los tonos brillantes y las formas complejas del fondo crean un diálogo visual entre la simplicidad de la niñez y la complejidad del mundo que la rodea.

Parte de la serie Journey, esta obra explora cómo la inocencia y la curiosidad infantil se desarrollan en medio de un ambiente lleno de estímulos. En Inocencia en Contraste, Charlotte Sapene utiliza la yuxtaposición de colores y texturas para destacar la fragilidad de la infancia, al tiempo que celebra la riqueza del entorno en el que crecemos. La obra invita al espectador a reflexionar sobre cómo los primeros años de vida están marcados por la interacción entre la pureza interna y el caos externo.

Journey: Confort en el Camino, Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

Confort en el Camino captura un momento de pausa dentro del ajetreo de la vida diaria. La figura central, disfrutando de una comida sencilla, refleja una sensación de tranquilidad en medio del movimiento. La escena combina elementos de lo cotidiano, como la comida, el teléfono y el ambiente urbano, con un toque de intimidad revelada en la postura relajada y el gesto calmado de la mujer.

Parte de la serie Journey, esta obra explora la conexión entre el confort físico y emocional en medio de los desafíos que nos presenta el camino. A través de colores vibrantes y pinceladas detalladas, Charlotte Sapene nos invita a apreciar esos pequeños momentos de descanso que nos ayudan a reequilibrarnos. En Confort en el Camino, la artista celebra la simplicidad de encontrar refugio en los actos más comunes, como una comida en soledad, pero acompañada de una sensación de paz interior.

Journey: Hilo de Vida, Oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

Hilo de Vida captura un momento íntimo y reflexivo dentro de la serie Journey, donde la artista utiliza el acto de tejer como una metáfora del viaje personal y la construcción de la propia identidad. El hilo rojo, que conecta las manos de la figura, simboliza los lazos invisibles que guían nuestras decisiones, nuestras emociones y el recorrido de nuestra vida. Sentada en una posición contemplativa, la figura parece estar entrelazando las diferentes partes de su historia, creando un mapa emocional y físico de su experiencia.

Los elementos cotidianos, como el café marcado con "PMS" y el libro abierto, añaden una capa de humor e ironía, recordando que el viaje de la vida también incluye los momentos más mundanos. Sin embargo, estos pequeños detalles son parte esencial del tapiz más amplio que compone la existencia.

Journey: Hilo de Vida refleja la manera en que nuestras acciones, decisiones y pensamientos forman un todo, representado aquí por el hilo rojo que parece interminable, uniendo cada etapa de la vida en un viaje continuo.

Journey: Courageous Cuerpo, oil paint embroidery thread on paper, 9x12 in

Courageous Cuerpo explora la valentía de la autoaceptación y la exposición sin reservas. En esta obra, la figura central, con su mirada directa y vulnerable, invita al espectador a ser testigo de una conexión íntima y emocional. Los detalles del cuerpo y las texturas de la piel se muestran sin censura, simbolizando el coraje de enfrentar tanto las cicatrices visibles como las invisibles. El uso del color vibrante y las pinceladas expresivas refuerzan el tono desafiante y honesto de la pieza.

Parte de la serie Journey, Courageous Cuerpo representa el viaje personal hacia la aceptación total del cuerpo, no solo como una entidad física, sino también como un archivo de experiencias, emociones y transformaciones. Charlotte Sapene captura la esencia de la resiliencia, donde el cuerpo, en toda su complejidad, se convierte en una declaración de fuerza y autenticidad.

femme always, oil on paper, 9x12 in

femme c.u, oil on paper, 9x12 in

femme. cumacaru, oil on paper, 9x12 in

Autenticidad Desinhibida: Homenaje a Alice Neel, oil on paper, 9x12 in

"Autenticidad Desinhibida: Homenaje a Alice Neel" es un autorretrato audaz de la serie "Joie de Vivre" que rinde tributo a la obra de Alice Neel, reflejando su influencia en el proceso artístico de la pintora. Esta obra presenta una figura femenina en su estado más natural y crudo, con los senos visibles y un porro de marihuana en la mano, desafiando las normas convencionales y las críticas sociales. Sentada en un banco inclinado que simboliza la inestabilidad emocional, la obra captura la lucha por mantener el equilibrio en un mundo crítico. A través de colores vivos y formas abstractas, este autorretrato invita a confrontar preconcepciones y a celebrar la autenticidad y la vulnerabilidad humana, en un homenaje vibrante a la honestidad sin filtros que caracterizó a Neel.

hands on, oil on paper, 9x12 in

bleed, oil on paper, 9x12 in

soft, oil on paper, 9x12 in

charlotte unique 1, wax pencil on paper, 9x11 in

charlotte unique 2, wax pencil on paper, 9x11 in

charlotte unique 3, wax pencil on paper, 9x11 in

vamp 1

vamp 2, wax pencil on paper, 9x11 in

vamp 3

soy frances ha 15. Water color on paper. 9X12 cm

soy frances ha 14. Water color on paper. 9X12 cm

soy frances ha 13. Water color on paper. 56X76 cm

soy frances ha 12. Water color on paper. 49X70.5 cm

soy frances ha 11. Water color on paper. 49X70.5 cm

soy frances ha 10. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 9. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 8. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 7. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 6. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 5. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 4. Acrilyc paint, water color on paper. 12 x 16.5 in

soy frances ha 3. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 2. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 1. Water color on paper. 42X34 cm

soy frances ha 16, Oil on canvas

happy souls 12, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 11, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 10, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 9, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 8, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 7, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 6, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 5, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 4, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 3, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 2, carandache on paper, 42x34cm

happy souls 1, carandache on paper, 42x34cm

I am Annie Hall 4, carandache on paper, 42x34cm

I am Annie Hall 3, carandache on paper, 42x34cm

I am Annie Hall 1, carandache on paper, 42x34cm

I am Annie Hall 2, carandache on paper, 42x34cm

feeling blue 6

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madre 1

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puzzle 1

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puzzle 3

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introspected 1

introspected 2

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caracas 1

caracas 2

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hoy me quiero (mujer que sabe lo que quiere) 1

hoy me quiero 2

hoy me quiero 3

hoy me quiero (fiery woman) 4

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meao 1, acrylic on canvas, 12x12in

meao 2, acrylic on canvas, 12x12in

meao 3, acrylic on canvas, 60x40in

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Where I’m I? 1

Where I’m I? 2

Where I’m I? 3

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carla smith, crayon on paper, 8.5x11 in

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